The pr-objects from the age of Adhocracy

“… this world is carried by your hands. And men, Oh my men!”  (Hikmet, 1954, pp. 45-46)
1. Istanbul Design Biennial
In the so-called post-industrial or third industrial revolution era, as the Economist defined it last April, defining what design is today and what its role in the current context is, has become harder than ever.
Over these two years of preparation for what has become the core of the first Istanbul Design Biennial, promoted by the Istanbul Foundation for Culture and Arts (İKSV), it has been possible to activate a great many discussions with a range of individuals on both a local and international level.
With its vibrant energy, its multiplicity of activities, its contradictions and astonishing undefinable beauty, Istanbul is the embodiment of the general theme ‘Imperfection’ proposed by Dejan Sudijc.
Symposiums, workshops, parallel events and the two main exhibitions – ‘Musibet’ (from the Turkish for catastrophe) curated by Emre Arolat at the Istanbul Modern and ‘Adhocracy’ curated by Joseph Grima at the Galata Greek Elementary School – have tried to engage a wide range of people and to plunge them into an understanding of the chaos, the countless layers of the city, its multiple viewpoints as well as the blurring of boundaries among disciplines, the emergence of co-producers of information, objects, projects and initiatives that characterize the glocal arena of Istanbul.
This article will focus purely on the ‘Adhocracy’ exhibition curated by Joseph Grima and its international curatorial team made up of Elian Stefa, Ethal Baraona Pohl, Pelin Tan and Maurizio Bortolotti.
Starting from this exercise in co-operation, helps us to identify the common denominator of Adhocracy, but it does much more than this too.
Grima identifies the concept of adhocracy as opposed to bureaucracy, hierarchical economic systems and centralized political management. On the contrary ‘Adhocracy’ questions the limitations and rigidity of these systems and proposes alternative, hybrid bottom-up and top-down production practices.
Design is – once integrated with other disciplines – a way to propose new solutions and raise awareness on our rights. At the same time, the exhibition is conceived of as an open work in progress platform and aims to host seminars and to push forward discussions on some of the crucial issues of our contemporary society.
2. Process demonstration
In order to give you a general overview of the projects displayed in ‘Adhocracy’, and a better understand of them, and, at the same time, problematize the exhibition concept, I will summarise some of the requirements announced in the open call launched on the 14th of february 2012:
“We are looking for projects that:
– empower others through self-produced and collaborative design;
– experiment with innovative methodologies of manufacturing and production;
– are born from or rely on networks;
– push the boundaries of the open-source movement and their implications for everyday life;
– combine traditional techniques and know-how with new tools and technologies;
– have no author or too many authors to be counted
– challenge and push the boundaries of the accepted definition of design” (Grima, 2012, pp.88-89).
Therefore the exhibition itself moves very faraway from being the usual object-centred design exhibition and even when we do look at objects/machines or devices we do so in order to comprend the processes behind them and beyond to the actions which the user can easily learn from or contribute to. More than that these projects are central to the redefinition of the professional and cultural role of the designer today.
We can start by analysing the structure of the objects, as Jesse Howard demonstrates in Trasparent tools in which she proposes a set of household appliances – toaster, coffee grinder, vacuum cleaner – that users can produce, modify and repair by downloading a grid format containing plans for the single parts of the device from the OpenStructures system. At the same time this construction system aims to create a network of component user-producers in order to promote processes of co-creation.
Another project based on the sharing and social nature of Web 2.0 is the Open Source Ecology platform founded in 2003 by a group of activist farmers and scientists working in Ohio, who presented their Global Village Construction Set (GVCS), affordable equipment for the construction of over fifty OS industrial machines. On show in the exhibition is LifeTrac III, a low-cost and multipurpose open source tractor, which can be constructed in six days.
Open source projects are not only defining new methods of production and interaction among designers and users. As John Thackara’s (2011, pp. 44-45) argues “openness is more than a commercial and cultural issue. It’s a matter of survival”, as some of the Arduino-based devices show.
The cheap microcontroller board, created in 2005 at the Interaction Design Institute in Ivrea, has spawned a wide range of interactive products to satisfy personal needs.
Tacit by Steve Hoefer, Grathio Labs, for example, is an easy to assemble Arduino-based, hand-mounted navigation device for the visually impaired that measures the distance between objects (from 2 m to 3.5 m) rapidly and translates that into pressure on the wrist.
We are all aware that Arduino should be taught in high schools, expecially after having seen Alarma Sismos, a seismograph built with a Arduino microprocessor, the personal invention of Sebastian Alegria, a 14-year-old Chilean boy, which sends out automatic twitter alerts on seismic activity.
Some of these projects reflect the important theme of the interaction between craft and digital production with 3D printers and, whether we like it or not, sooner or later, we will be surrounded by the latter.
Essentially this paradigm shift, which is not yet easily perceptible, implies that we (both designers and potential user/producers) have to try to come up with different ways of thinking about the design of things, which will lead us to a deeper understanding of their inner structures and raise our awareness also on their material composition.
According to Neri Oxman, professor of Media Art&Science and director of the MIT Media LAB, 3D printing is bringing about a revolution in design – equivalent to Gutenberg’s invention of the movable-type press – which will lead to greater democratization of information and production of objects.
The Belgian studio Unfold, in collaboration with Turkish ceramists such as Tulya Madra & Firat Aykaç of Santimetre and Mustafa Canyurt of Istanbul, presents the open-source 3D printing project Stratigraphic Manufactory, from which 3D produced objects in pottery (mainly bowls and vases) are exhibited in a mock-up of a traditional craft shop in the near-by district of Şişhane and displayed in cases facing the windows with the Artisan électronique workshop in the background. Here Unfold explores the tension between handicraft and digital clay products.
By Unfold once more, this time the production of 3D printed objects becomes Kiosk 2.0, a mobile cart that questions the immediacy, flexibility and accessibility of this kind of production in the realm of public space. By accessing an open-source database of scanned digital models Kiosk 2.0 allows users to print false copies of iconic design objects (such as Aalto’s vase) and customize them according to their preferences.
Another particularly interesting interdisciplinary project that connects 3D manufacturing technology, architecture, food design and public space is Street Food Printing by José Ramon Tramoyeres, Paco Morales, Luis Fraguada and Deniz Manisalı, who have started experimenting with Fused Deposition machine deposits (usually known for prototyping plastic) for food stamps, such as chocolate or cheese, in some of Morales’ avant-garde dishes.
This project was exhibited for the first time at the “Future in the Making” fair, curated once again by Joseph Grima, at the Salone del Mobile, but for this Biennial, the designers were invited to modify it to the city context and involve people outside the exhibition space as well. So the initial food printing project became the futuristic cart Street Food Printing.
In fact, if you walk out into the streets of Istanbul, you will notice and be overwhelmed by the lively activities and informal street trades that are taking place in the streets, like Ayşe E. Coşkun Orlandi (2007, pp. 150-153), for example, describing the Biscuit seller (Tahtakale in Turkish, and the craft-assembled pushchair adapted for selling biscuits) both of which are their projects.
Unfortunately this article has had to leave out many other inspiring projects, but two of them represent the historic reference points particularly well: one is Re-reading Giancarlo De Carlo by Autlab and the other is Proposta per un’autoproduzione (Propos al for an Auto-project) by Enzo Mari (1974).
In the first one, Autlab, a collective of Roman architects, lays claim to the present day value of De Carlo’s polyhedric ideas, such as the social responsibility of architects in involving citizens in the design process – the inhabitants of Terni in the Villaggio Matteotti project for example – and thus empowering them, or his reflections in the review Spazio e Società on society as a machine in which buildings, objects and people mutually interact in the making of everyday life.
On the other hand, Mari’s lesson comes from a set of sixteen basic pieces of furniture in wood and the exhibition catalogue entitled Proposta per un’Autoproduzione, which became a sort of manifesto and political statement for the self-producing, do-it-yourself movement, while at the same time criticising the passive role of the consumer which the design industry of the day imposed.
3. Conclusions
Returning to the physical location of the exhibition and its theme, I would like to close with a provocative remark. In 2004 Richard Florida argued that economic development is strongly related to the 3 Ts which are: technology, talent (creativity) and tolerance.
Today Istanbul is not yet a 3 Ts city, but Florida foresees that in 2050 it will become one of the leading metropolises in the world, alongside Mumbai and San Paolo, where hopefully more Adhocratic practices will challenge the country’s weighty bureaucracy and top-down decision making processes.
Finally I will borrow the ironic and provocative manifesto of the Trading Station project, by Post, the Liverpool-Istanbul based group of female artistes, which declares: “Sharing destroys ownership of a product. Share information”. Prophet Muhammed also said: “Whoever is asked about a knowledge that he knows about and then hides in and keeps it away, he will be bridled on the day of judgments with a bridle of fire.”

Teresita Scalco, Università Iuav di Venezia, Science of Design, currently visiting researcher at SALT, Istanbul

Acknowledgments: This paper would not have been possible without the inspiring conversation and ideas shared with Joseph Grima, Luis E. Fraguada, Pelin Tan, Canay Tunçer and Moira Valeri to whom I wish to thanks deeply.


Coşkun Orlandi, A. (2007). Spontaneous Design in Istanbul, in Abitare, n. 472. Milan, pp. 150-153.
Florida, R. L., (2005). Cities and the creative class. New York, NY, London, UK. Routledge.
Grima, J. (2012, edited by). Adhocracy, catalogue exhibition of the Istanbul Design Biennial,  vol.3, Istanbul: IKSV, pp. 88-89.
Hikmet, N. (1954), Of your hands and their lies, in ‘Poems’, trans. Ali Yunus, New York: Masses & Mainstream, pp. 45-46.
Thackara J. (2011). Into the Open. In van Abel B., Evers L., Klaassen R., Troxler P. (editors) Open design now. Why design cannot remain exclusive. Amsterdam, H: BIS Publishers, pp. 44-45.
Trading Station newspaper, issue 2, publieshed 7 September 2012, available on-line at Share!, Trading Station project by POST (n.d.). [Retrieved November, 10, 2012 from]

“…il mondo è retto dalle vostre mani. O uomini, uomini miei!”  (Hikmet, 1954, pp. 45-46)

1. Istanbul Design Biennial

Oggi più che mai, è un’ardua impresa definire cos’è il design e qual è il suo ruolo nel contesto attuale, nella così detta era post-industriale o terza rivoluzione industriale, come l’ha definita l’Economist lo scorso aprile.

Ciò che ha caratterizzato il cuore della prima Istanbul Design Biennial, promossa dall’Istanbul Foundation for Culture and Arts (İKSV), nei due anni di preparazione, è stata l’abilità di attivare molteplici discussioni con diversi attori, tanto a livello locale quanto a quello internazionale.

Istanbul diventa così l’incarnazione del tema “Imperfection” proposto da Dejan Sudijc, con la sua energia vibrate, le infinite attività, ma anche le contraddizioni e la sua bellezza indefinita e sorprendente.

Simposium, workshop, eventi paralleli e due mostra principali – “Musibet” (dal turco ‘catastrofe’) curata da Emre Arolat all’Istanbul Modern e “Adhocracy” curata da Joseph Grima alla Scuola elementare greca – hanno cercato di coinvolgere un ampia varietà di persone ed immergerle nella comprensione del caos, negl’infiniti strati della città, nei suoi molteplici punti di vista, ma anche in quel territorio indistinto in cui i confini delle discipline si mescolano, nell’emergere dell’informazione co-prodotta dagli utenti, in quei progetti, oggetti e iniziative che caratterizzano il contesto ‘glocal’ di Istanbul.

In questo articolo mi focalizzerò sulla mostra “Adhocracy” curata da Joseph Grima ed un curatorial team internazionale composto da Elian Stefa, Ethal Baraona Pohl, Pelin Tan e Maurizio Bortolotti.

Iniziando proprio dalla pratica collaborativa possiamo identificare il comune determinatore di “Adhocracy”, ma ovviamente è anche molto più di questo. Grima identifica il concetto di adocrazia come opposto al concetto di burocrazia, il sistema economico gerarchizzato e la direzione politica centralizzata.

All’opposto, “Adhocracy” interroga le limitazioni della rigidità di queste strutture, propone produzioni ibride, low and high, alternative, che si basano su pratiche botton-up. Il design diviene, integrato con le altre discipline, una modalità per proporre nuove soluzioni e sviluppare una nuova consapevolezza civile.

Al tempo stesso la mostra è concepita come una piattaforma work-in-progress aperta a stimolare il dibattito su questi temi ospitando seminari sui temi cruciali della nostra società contemporanea.

2. Mostrare i processi

Per darvi solo una panoramica dei progetti presentati in “Adhocracy”, e quindi comprendere meglio, ma al tempo stesso problematizzare il concetto espositivo, vorrei riassumere quali erano i requisiti richiesti nella open call lanciata il 14 febbraio 2012:

“Cerchiamo progetti che:

– potenzino le persone attraverso il design autoprodotto e collaborativo;

– sperimentino metodologie innovative di manifattura e produzione;

– nascano o si basino sulle reti;

– emancipino le frontiere del moviemento open-source e le sue implicazioni nella vita di tutti i giorni;

– uniscano il know-how e le tecniche tradizionali con i nuovi strumenti tecnologici;

– push the boundaries of the open-source movement and its implication for everyday life;

– non hanno un autore o così tanti da non essere contati;

– sfidano ed estendono i confini consolidati della definizione di design” (Grima, 2012, pp.88-89).

Pertanto la mostra si stacca completamente dalla prevedibile tradizionale esposizione d’oggetti di design e anche quanto guardimo agli oggetti/macchine o agli apparecchi esposti comprendiamo facilmente i processi dietro e oltre le azioni, dai quali l’utente impara e contribuisce a sua volta alla loro medesima realizzazione.

Oltre a questo, oggi, questi progetti sono emblematici nella ridefinizione del ruolo professionale e culturale del designer.

Possiamo iniziare ad analizzarli, cercando all’interno delle strutture degli oggetti, come Jesse Howard ci rivela in Trasparent tools, dove ci propone una serie di apparecchi domestici – un toaster, un trita caffè, un’aspirapolvere – che possono essere prodotti dall’utente, modificando e ripararli scaricando dal database di Openstrucure una schematica griglia che permette la progettazione delle singole parti degli apparecchi; al tempo stesso questa costruzione ha l’obiettivo di connettere altri utenti-produttori dei componenti al fine di promuovere il processo di co-creazione.

Un ulteriore progetto che si basa sulla condivisione e sulla natura del web 2.0 è la piattaforma Open Source Ecology, fondata da un gruppo di agricoltori e scienziati attivisti dell’Ohio, che qui presentano il loro Global Village Contrusction Set (GVCS), un’apparecchiatura economica per costruire più di cinquanta macchine OS industriali. In mostra si può vedere LifeTrac III un trattore low-cost e multifunzioni, costruito in sei giorni.

I progetti Open Source non solo definiscono nuove modalità di produzione e d’interazione tra i designer e gli utenti, ma come sostiene John Thackara (2011, p. 44) il termine “apertura è ben più importante di problema commerciale e culturale. E’ una questione di soppravvivenza”, come alcuni degli apparecchi che usano Arduino.

In breve tempo, un’economica micro-scheda elettronica, creata nel 2005 all’Interation Design Institute di Ivrea, ha proliferato velocemente una vasta gamma di prodotti interattici che soddisfano i bisogni delle persone.

Ad esempio Tacit, di Steve Hoefer, Grathio Labs, è un dispositvo palmare che permette ai non vedenti di orientarsi, traducendo la distanza dagli oggetti (dai 2 ai 3.5 mt) in pressioni al polso.

Siamo ben consapevoli che Arduino dovrebbe essere insegnato alle scuole secondaria, soprattutto dopo aver visto Alarma Sismos, un sismografo autoprodotto da Sebastian Alegria, un quattordicenne cileno, costruito sulla base di un microprocessore Arduino che monitora l’attività sismica e invia automaticamente messaggi twitter.

Alcuni di questi progetti riflettono l’importante tema dell’interazione tra la produzione artigianale e quella digitale di nuova generazione con le stampanti 3D, e che ci piaccia o meno, prima o poi saremo circondati da queste ultime.

Questo sfalsamento di paradigma, che non è ancora facile da percepire, implica che dobbiamo (tanto i designer quanto gli utenti/produttori) trovare modalità diverse di pensare il design delle oggetti, le quali ci condurranno ad una comprensione maggiore delle loro strutture interne e delle loro composizioni materiche.

Come sostiene Neri Oxman, professore al Media Art&Science e direttore del MIT Media LAB, la stampa 3D sta portando una rivoluzione nel design equivalente all’invenzione della stampa a caratteri mobili di Gutenberg, che permetterà una maggiore democratizzazione delle conoscenze e nella produzione degli oggetti.

Lo studio belga Unfold, in collaborazioen con alcuni i ceramisti turchi, quali Tulya Madra & Firat Aykaç di Santimetre e Mustafa Canyurt di Istanbul, presenta il progetto Stratigraphic Manufactury, che si base sulla produzione di oggetti in ceramica (principalmente ciotole e vasi) impiegando il sistema di open-source delle stampanti 3D e li presenta riproducendo un tradizionale negozio artigianale della zona di Şişhane, in cui gli espositori si rivolgono alle vetrine, mentre nel retro vi è il laboratorio dell’Artisan électronique. Qui, Unfold esplora la tensione tra la manifattura manuale e quella digitale dell’argilla.

Sempre di Unfold, questa volta la produzione 3D di oggetti diventa Kiosk 2.0, un carrello mobile, che interroga l’immediatezza, la flessibilità e l’accessibility di questa produzione nello spazio pubblico.

Accedendo ad un database open-source di modelli di design scannerizzati, Kiosk 2.0 permette all’utente di stampare false compie di oggetti iconici del design (come ad esempio il vaso di Aalto) e personalizzarlo a proprio piacimento.

Un altro progetto particolarmente interdisciplare ed interessante, che collega la manifattura tecnologica 3D, l’architettura, il food design e lo spazio publico è Street Food Printing di José Ramon Tramoyeres, Paco Morales, Luis Fraguada, Deniz Manisalı, i quali hanno iniziato a sperimentare l’impiego di macchine Fused Deposition per stampare cibo, come la cioccolata o il formaggio, per alcuni piatti avanguardistici dello chef spagnolo Paco Morales.

Questo progetto è stato esposto per la prima volta alla mostra “Future in the making” al Salone del Mobile, curata da Joseph Grima. Per questa Biennale, i designer sono stati invitati dal curatore ad adattarlo al contesto della città e portare il progetto fuori del contesto espositivo.

Putroppo, con rammarico, in questo articolo devo tralasciare molti altri interessanti progetti, ma due in particolare rappresentano i riferimenti storici della mostra: il primo è Re-reading Giancarlo De Carlo di Autlab, mentre l’altro è Proposta per un’autoproduzione (1974) di Enzo Mari.

Il collettivo romano Autlab rivendica il valore attuale delle poliedriche idee di De Carlo, come la responsabilità sociale degli architetti nel coinvolgere i cittadini nel processo progettuale del Villaggio Matteotti (concluso nel 1974) e le sue riflessioni sulla rivista Spazio e Società,  nella quale guardava alla città come ad una ‘macchina’, in cui edifici, oggetti e persone in maniera condivisa interagiscono nella costruzione della vita quotidiana.

Dall’altra parte la lezione di Mari viene da sedici elementari mobili in legno e dal catalogo della mostra Proposta per un’Autoproduzione, diviene una sorta di manifesto e dichiarazione politica dell’autobuzione e della tendenza do-it-yourself, nonchè una critica contro la posizione passiva del consumatore imposta dall’industria del design di quegli anni.

3. Conclusioni

Tornando alla sede fisica della mostra e al suo tema, vorrei concludere con una nota provocatoria. Nel 2004 Richard Florirda sostiene che lo sviluppo economico è fortemente legato alle 3 T che sono: tecnologia, talento (creatività) e tolleranza.

Oggi Istanbul non è ancora una città dalle 3T, ma prevede che lo sarà nel 2050 sarà una delle metropolis nel mondo, tra Mumbai e San Paolo, in cui auspichiamo più pratiche adocratiche permetterrano di sfidare il pesante sistema burocratico del paese.

Infine, prendo a prestito l’ironico manifesto del progetto Trading Station, del gruppo di artiste Post (con base a Liverpool e Istanbul) che dichiara: “Condividere distrugge la proprietà del prodotto. Condividi le informazioni”. Anche il profeta Maometto ha detto: “A chiunque venga chiesta la conoscenza e la conosce, ma la nasconde e la tiene isolata, verrà legato nel giorno del giudizio con briglie di fuoco”.

Teresita Scalco, Università Iuav di Venezia, Science of Design, attualmente è visiting researcher at SALT, Istanbul


Questo articolo non sarebbe stato possibile senza le ispiranti idee e conversazioni condivise con Joseph Grima, Luis E. Fraguada, Pelin Tan, Canay Tunçer and Moira Valeri che desidero ringraziare profondamente.


Coşkun Orlandi, A. (2007). Spontaneous Design in Istanbul, in Abitare, n. 472. Milan, pp. 150-153.

Florida, R. L., (2005). Cities and the creative class. New York, NY, London, UK. Routledge.

Grima, J. (2012, edited by). Adhocracy, catalogue exhibition of the Istanbul Design Biennial,  vol.3, Istanbul: IKSV, pp. 88-89.

Hikmet, N. (1949), Of your hands and their lies, in ‘Poems’, trans. Ali Yunus, New York: Masses & Mainstream, 1954, pp. 45-46.

Thackara J. (2011). Into the Open. In van Abel B., Evers L., Klaassen R., Troxler P. (editors) Open design now. Why design cannot remain exclusive. Amsterdam, H: BIS Publishers, pp. 44-45.

Trading Station newspaper, issue 2, publieshed 7 September 2012, available on-line at Share!, Trading Station project by POST (n.d.). [Retrieved November, 10, 2012 from]

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